Nicht immer sollte man sich vollkommen unkritisch auf ein erstes Urteil verlassen. Manchmal wird ein zweiter Blick belohnt, wie ich heute an mir selbst erlebt habe – beim Besuch der Kunstausstellung von Edith Oellers im Maxhaus, Düsseldorf.

Oellers Bilder zeigen Menschen in Alltagssituationen, naturalistisch gemalt, teilweise in Aquarell. Eigentlich repräsentieren derartige Motivwelten und der Malstil eher nicht meinen persönlichen Kunstgeschmack. Doch bald schon mischte sich ein leichtes Störgefühl in diese initiale Zurückweisung und schließlich wurde es zur Gewissheit: In den Kompositionen der ehemaligen Studentin der Kunstakademie Düsseldorf steckt weit mehr hinter einer auf den ersten Blick vielleicht harmlos-naiven, idealtypischen Fassade.

Oellers Werke verbindet eine Sphäre des Unbestimmbaren und Entrückten. Die abgebildeten Menschen erscheinen ruhig, oft in sich gekehrt, vor sich hinträumend oder in stille Tätigkeiten vertieft.

Auch wenn sich die Protagonisten physisch nahe sind, so bleiben sie doch bei sich, in ihrer eigenen Welten. Sie wirken der Zeit entrückt und ziehen den Betrachter hinein in diese besondere Sphäre, ohne sich näher mitzuteilen oder Erklärungen abzugeben. Und so ist es auch mit den dargestellten Orten.

Je länger man schaut, desto unergründlicher scheinen Oellers Bilder und desto heterogener wirkt ihre Malweise. Die in Düsseldorf ansässige Künstlerin erreicht das u. a. durch einen feinen Umgang mit Schärfe und Unschärfe, Nähe und Distanz, farblich pointierter Akzentuierung und ruhiger Ausweitung von Farbflächen.

Oft existiert in ihren Bildern eine zweite Ebene, die sich inhaltlich der vordergründigen Darstellung entzieht. Die zuvor aus der Distanz verspürte, etwas naiv wirkende „Idealität“ zerfällt. Und das gefällt mir alles richtig gut. Da habe ich mich bei meinem ersten Urteil wohl getäuscht.

Manchmal mag ich Kunst mit starken Botschaften. So, wie die Serien von Peter Sorge (1937-2000) vom Ende der 1960er und den 1970er Jahren. Links „Auf dem Markt wird wieder scharf geschossen“, Mitte  „Gute Besserung für Andy“ und rechts „Wege zu Kraft und Schönheit (Black Power)“ seinerzeit alle erschienen als limitierte, handsignierte Druck-Auflage.

Sorge, der nach Kriegsende in Dortmund aufwuchs und von 1958 bis 1964 in West-Berlin Kunstpädagogik studierte, ist dem Kritischen Realismus zuzurechnen. Dieser aus der Neuen Sachlichkeit der 1920er Jahre hervorgegangene Stil zog besonders Künstler an, die sich als linksstehend betrachteten und ihre Arbeiten als Waffe im politischen Kampf verstanden.

Das Engagement dieser Künstler griff ab dem Ende der 1960er Jahre insbesondere Themen wie Krieg, Unterdrückung der Frau und Manipulation durch Politiker auf. Zur Darstellung wurden Fotomontagen, aggressive Farbgebung, Deformierungen und andere karikierende Elemente genutzt. Explizit grenzten sich führende Vertreter wie Hans-Peter Alvermann, Klaus Staeck oder Peter Sorge dabei vom sozialistischen Realismus ab, der in der DDR zur Staatskunst erhoben wurde.

Durch die geschickte Wahl von Ausschnitt und Vergrößerung zerrte Sorge in seinen Bildern Gesehenes mit der Präzision eines Fotoobjektivs in den Vordergrund und pointierte Situationen mittels Fotomontage auf teils aggressiv Weise. Seine Motive rahmte er mit Rechtecken, Farbbalken und Schriftzügen. Dadurch setzte er Ausrufezeichen, ähnlich der Berichterstattung in Illustrierten.

Ästhetisch verlockende und provokante Motive stellte er dabei nachdenklichen Inhalten gegenüber, wobei er sich gleichzeitig als Berichterstatter und Voyeur empfand. Doch im Gegensatz zu den Fotorealisten reproduzierte Sorge das fotografische Vorbild nicht, sondern porträtierte es. So entwickelte er einen ganz eigenen, unverwechselbaren Stil, der auch heute nicht an Ausdrucksstärke eingebüßt hat.

Die Ausstellung „Incarnate“ führt zwei der führenden privaten Kunstsammlungen Nordrhein-Westfalens zusammen: Videokunst aus der Julia Stoschek Collection trifft auf klassische japanische und asiatische Kunst aus der Sammlung Viktor und Marianne Langen.

Ausstellungsort ist das ikonische Museumsgebäude der Langen Foundation auf der früheren Raketenstation bei Neuss-Holzheim, dessen Außenmauern derzeit mit Tarnnetzen überzogen sind, um Solidarität mit der von Russland angegriffenen Ukraine zu zeigen.

Incarnate lädt die Besucher ein, zwischen materiellen und immateriellen Welten zu wandeln und Verbindungen zwischen spirituellen Fragen und medialen Ausdrucksformen zu entdecken. In den Begegnungen von religiöser Kunst und digitalen Avataren zeigt sich, wie überliefertes Wissen und zeitgenössische Ausdrucksformen miteinander in Beziehung treten.

Die Ausstellung macht eine überraschende Nähe zwischen den metaphysischen Fragestellungen des Buddhismus und den illusionistischen Strategien zeitgenössischer Videokunst sichtbar: hier das buddhistische Misstrauen gegenüber dem äußeren Schein zugunsten einer tieferen Wirklichkeitserfahrung, dort die ambivalente Auffassung der Videobildfläche als Fenster oder Schleier. Die Auswahl der Werke ist zudem inspiriert vom Wandel des Begriffs „Avatar“ – von seinen Ursprüngen in der östlichen Philosophie hin zu seiner heutigen Bedeutung in der digitalen Kultur.

Als Begriff in der Philosophie und Theologie steht Inkarnation für das Sichtbarwerden des Unsichtbaren, die Erscheinung des Geistigen in einer endlichen, materiellen Form. Begegnungen zwischen antiken, modernen und zeitgenössischen Kunstwerken symbolisieren eine wiederkehrende Schleife zwischen Form und Inhalt, wie auch in dem Herz-Sutra, dem vielleicht am häufigsten rezitierten Text in der gesamten Tradition des Mahayana-Buddhismus, zum Ausdruck kommt: Form ist Leere und Leere ist Form.

An der Zufahrtsstraße zum Konsumheiligtum „Centro Oberhausen“ liegt auch die Ludwiggalerie im Schloss Oberhausen. Das Museum geht auf das Sammlerehepaar Peter und Irene Ludwig zurück, die bereits während ihres Studiums in den 1960er Jahren begannen, erste Werke zusammenzutragen. Heute sind es tausende von Objekten, die in der Stiftung Ludwig gebündelt sind, die mehrere Ludwiggalerien und Ludwigmuseen im Rheinland und darüber hinaus unterhält.

Der Stiftungsableger „Ludwiggalerie Oberhausen“ zeigt derzeit eine viel beachtete Schau, die sich der Druckgrafik aus den Siebzigern widmet, die man gemeinhin der Deutschen Pop Art zurechnet. Diese Sammlung geht auf den Düsseldorfer Rechtsanwalts Heinz Beck zurück und wird sonst im Ludwigshafener Wilhelm-Hack-Museum aufbewahrt. Die weit über 100 Werke machen deutlich, dass sich die German Pop Art im internationalen Vergleich nicht verstecken muss.

Neben Motiven des Alltags und der Konsumwelt sind die gezeigten Arbeiten von Künstler*innen wie Almut Heise, Bodo Boden, Peter Sorge, Gerno Bubenik, Klaus Staeck, Joseph Beuys oder Sigmar Polke, geprägt von Kritik am politischen Zeitgeist, Anti-Kriegs-Haltungen und Vergangenheitsbewältigung. Es handelt sich um Werke, die vielfach Bewegungen wie Fluxus, ZERO oder dem Kapitalistischem Realismus zugeordnet werden. In ihnen drückt sich der radikale Wille zu einer Demokratisierung der Kunst aus, das viele deutsche Künstler*innen dieser Zeit verfolgten. Indem sie sich der Druckgrafik, Auflagenkunst und Multiples bedienen, erreichten sie eine breite Öffentlichkeit – und heute wieder, mit dieser gelungenen Ausstellung.